11 festivales a los que todos deberíamos ir por lo menos una vez en nuestra vida

#11 Coachella
Este fin de semana, se celebra la segunda parte de uno de los festivales más grandes de Estados Unidos. Sí, hablamos de Coachella, que tiene lugar en Indio, una localidad que es tomada por el público durante dos fines de semana para disfrutar de la música en el medio del desierto. Si quieres conocer un poco más sobre este, apúrate porque todavía estas a tiempo. Su segunda instancia comienza el 17 y culmina el 19 de abril.

#10 Beale Street
Otro evento musical que vale la pena, es Beale Street. Se celebra al igual que el anterior, en Estados Unidos, más precisamente en la ciudad de Memphis y dura dos días. Una buena opción para aquellos que buscan propuestas intensas en su calendario.

 
#9 The Fest
Si te gusta el punk rock probablemente este evento sea para ti. Un fin de semana de octubre dedicado exclusivamente a esto. ¿Dónde? En Gainesville, Florida.
 

#8 Riot Fest
Pero Chicago también tiene su propio evento: el Riot Fest, que recoge algunas figuras pasadas del rock y punk, llevando al escenario conjuntos de músicos alternativos. Incluso podría ser considerado como uno de los más pesados en el país. Sí, más que The Fest.

#7 CMJ Music Marathon
No se autodefine como un festival o evento, sino como una maratón de música de todos los géneros. Una semana durante el mes de octubre, en la ciudad de Nueva York, y en donde además de presentar los materiales más novedosos de la industria musical, se generan conferencias para aprender sobre ella.

#6 TomorrowWorld
Sí, estás leyendo bien. Existe este festival y es una extensión del reconocido evento Tomorrowland pero llevado adelante en Georgia. Uno de los más famosos del país con ofertas de todo tipo y color para quienes asistan a él ¿lo dudas? Entonces prueba acampar en Dreamville y verás de lo que hablamos.

#5 Gulf Shores
Si lo que buscas es, por el contrario, concurrir a un festival mientras conoces una gran cuidad y sus costas, entonces debes ir a este evento en Alabama. Una propuesta que mezcla varios géneros, destacándose por sus invitados en la música electrónica.

#4 Loollapalooza
Aunque gracias a su éxito se han hecho versiones en Brasil, originalmente es también un festival norteamericano. Uno de los más reconocidos por su incursión en la música alternativa de los géneros del rock and roll, hip hop y punk.

#3 Electric Daisy Carnival
Es uno de los festivales que se desarrollan en primavera o verano en Estados Unidos y también en diferentes países, entre ellos en Puerto Rico, México y UK. Uno de los más divertidos y pleno de música electrónica para los fanáticos de este género.

#2 Voodoo Music Experience
No se trata necesariamente de un festival de música con grupos y demás, sino de una experiencia durante el mes de noviembre que mezcla el calor, la buena onda de los locatarios de New Orleans y el sonido ideal para la velada. Uno de los más recomendados para todos los jóvenes que disfruten de este combo.

#1 Fun Fun Fun Fest
Es uno de los últimos festivales que se realiza en el año y en el que se expone música independiente y progresiva. Un encuentro para innovar e ir predispuesto a explorar lo desconocido entre la multitud. Si quieres ir no tienes más que sacar tu pasaje a Texas.

Doce festivales de música que vale la pena conocer

El Roskilde en Dinamarca, el Rzystanek Woodstock en Polonia y el Sziget Festival en Budapest entre los que reúnen más seguidores. Un recorrido por los mejores escenarios del Viejo Continente.

La temporada musical europea presenta los festivales que ya son un éxito a nivel local y regional y que año a año suman más seguidores de todo el mundo. Con eventos que llegan hasta el Ártico, esta tradición –que además combina arte y cultura– puede haber pasado desapercibida hasta el día de hoy. Infobae recopila a través de Trivago Argentina 12 de sus mejores representantes.

1-El Sonisphere Festival es un festival itinerante que tiene lugar cada año en distintos países de Europa entre los meses de junio y agosto. Las bandas que se presentan son del género del metal y del rock. Este año, el festival celebró su 40 aniversario en el Knebworth Park, Reino Unido. Iron Maiden, Metallica y Limp Bizkit fueron algunas de las bandas presentes en esta edición; en el caso de Metallica, los fans pudieron votar 17 de las 18 canciones de su playlist. A futuro, los organizadores planean transformar el evento a uno de escala más global, haciendo hincapié en el Reino Unido mediante la ampliación de fechas y el aumento de la capacidad de asistentes.

2-El Przystanek Woodstock ("Estación Woodstock"), también denominado "el Woodstock de Polonia", es un evento musical gratuito de rock inspirado en el festival de música y arte llevado a cabo en 1969 en Estados Unidos. La versión polaca ha tenido lugar desde 1995 entre finales del mes de julio y principios de agosto en la ciudad de Kostrzyn nad Odrą, y sus organizadores la llaman "el festival al aire libre más grande de Europa". Su lema es "Amor, Amistad y Música" y está organizado por una ONG. El principal género musical es el rock aunque en los últimos años el reggae, la música electrónica e incluso la música clásica se hicieron presentes.

3-El Sziget Festival (la traducción del húngaro de Sziget es "isla") es uno de los más grandes festivales musicales y culturales de Europa. Se lleva a cabo en agosto en el norte de Budapest, en Óbudai-Sziget, una frondosa isla en el Danubio. El festival es anfitrión de 1.000 actuaciones anuales y se da a lo largo de una semana, y ha pasado de ser una reunión de bajo perfil a uno de los más importantes festivales de rock del continente. La organización cuenta inclusive con un servicio de tren (party train) con set de DJ incluido que transporta a los asistentes de todo el continente. En la actualidad, este evento se considera cada vez más como una alternativa europea al festival Burning Man de Estados Unidos debido a sus características. El festival ha recibido el reconocimiento de la prensa internacional además de ser galardonado y replicado con éxito en otros países de la región.

4-El Roskilde Festival es un festival que se celebra al sur de la ciudad de Roskilde (Dinamarca) durante cuatro días en el mes de junio o julio, y es uno de los dos mayores festivales de música en Europa –junto con el Festival de Glastonbury– y el más grande del norte del continente. Fue creado en 1971 y es llevado a cabo como una organización sin fines de lucro para el desarrollo y el apoyo de la música, la cultura y el humanismo. En la edición del corriente año, el festival participó a sus asistentes en la elección de las organizaciones que deberían recibir parte de las ganancias del evento. Aunque en sus inicios fue orientado al público hippie, hoy en día participa el mainstream musical; sus últimas ediciones cuentan con actuaciones de The Strokes, Arctic Monkeys, Red Hot Chili Peppers, Coldplay, Oasis, Metallica, Queens of the Stone Age, Franz Ferdinand, Kanye West y Rihanna, entre otros. Más allá de la difusión de un evento de estas características, el Roskilde Festival cuenta con su propia maquinaria de prensa: un periódico y una estación de radio; además se organiza una "maratón nudista" que goza de gran popularidad, con posibilidades de ganar un ticket para futuras ediciones.

5-El Sweden Rock Festival (Festival de Rock de Suecia) es un evento anual de rock & metal que se lleva a cabo desde 1992. Más allá de su género principal, el festival se caracteriza por su diversidad y apertura. El Sweden Rock Festival tiene sede en la ciudad de Norje, y se ha ido transformando a través de los años; hoy en día tiene una duración de cuatro días y se realiza en el mes de junio. Aerosmith y Guns N' Roses fueron algunas de las actuaciones notables y más conocidas a nivel internacional que tuvo el evento.

6-Si Reikiavik, Islandia, necesitaba algo para cimentar su estatus como una de las capitales más cool de Europa, el festival Iceland Airwaves lo es. Llevado a cabo en el mes de noviembre y con una participación de 8.000 asistentes, el evento se enorgullece de promover la nueva música de toda Islandia, Europa y América del Norte y ha sido previamente anfitrión de artistas como Florence and the Machine, Bloc Party, Sigur Rós y Björk, por mencionar algunos. Como si esto no fuese suficiente, la revista Rolling Stone describió el festival como "el más hippest del calendario anual musical."

7-El paisaje idílico de Eslovenia probablemente no es el primer lugar que viene a la mente cuando se piensa en reggae, pero el festival intimista Overjam se ha celebrado aquí durante los últimos tres años y es la prueba de ello. Situado en un bosque con vistas a un río de color turquesa claro, Overjam ha crecido en popularidad y este año le dio la bienvenida a 12.000 visitantes en el mes de agosto.

8-"Un festival diferente, en un lugar como ningún otro" puede ser una afirmación audaz pero es algo que el Festival Number 6 hace honor a fácilmente. Siendo poseedor de diferentes premios, el evento es una combinación de música, arte y cultura que se lleva a cabo en el hermoso escenario de Portmeirion, un pueblo italiano en la costa de Gales, durante un fin de semana del mes de septiembre. Pet Shop Boys y Beck fueron algunos de las bandas anfitrionas en ediciones pasadas así como una selección de presentaciones de poetas, autores y cineastas.

9-Desde su aparición en escena en 2012, Dimensions Festival se ha hecho un nombre por sí mismo como uno de los principales escenarios para la música electrónica independiente. Organizado en el mes de agosto, su locación de apertura es la que le aporta su dimensión extra: el famoso anfiteatro romano de Pula (Croacia), que se remonta al año 27 DC. Las noches siguientes se llevan a cabo en los restos del Fort Punta Christo en la costa de Istria, mientras que durante el día se puede disfrutar de fiestas en barcos o jornadas en la playa.

10-Votado en el 2012 como el Mejor Festival Europeo Pequeño, Tauron Nowa Muzyka se ha establecido como uno de los eventos más interesantes en el mundo del jazz, nu-jazz, electro y danza. Celebrado en una antigua mina de carbón en el centro de Katowice durante el mes de agosto, el festival da nueva vida a la región, abarcando el patrimonio industrial de la zona a través de la incorporación de las viejas áreas de producción, almacenes y torres a su puesta en escena. Los visitantes pueden incluso realizar una visita guiada por el sitio.

11-Denovali Swingfest es un festival que abarca una mezcla ecléctica de música, cine experimental, instalaciones de arte y conferencias. Denovali atrae a una gran variedad de artistas de todo el mundo que no cuentan con un sello discográfico, los cuales reciben la misma ganancia por participación y cuentan con el mismo tiempo para realizar sus presentaciones. En el 2015, Londres y Berlín serán sedes del evento.

12-Este evento puede ser considerado más como un homenaje a la cultura del Ártico que como un festival de música tradicional. SALT Art es un concepto ambicioso, cuyo objetivo es promover en la región el arte, la arquitectura, la comida y la música, en el hermoso paisaje. Celebrada en una isla montañosa remota de la costa de Noruega, el proyecto rotará eventualmente entre Groenlandia, Islandia, las Islas Feroe, Irlanda, Escocia, Spitsbergen, Alaska y Rusia.

LOS 10 FESTIVALES DE MÚSICA MAS ESPERADOS

LOS 10 FESTIVALES DE MUSICA MAS ESPERADOS:

Lollapalooza Argentina: Variedad, cantidad y calidad.

• Uno de los más esperados festivales de música, si no es el más esperado. Este año se vivirá la 3ª edición en Argentina que se replica en más de 6 países y a la cual llegan bandas que realmente se estaban haciendo desear y que sacaron las más grandes sonrisas a miles de fans de Argentina.
  El próximo 18 y 19 de marzo, el Hipódromo de San Isidro recibirá a los artistas más importantes y emblemáticos en la actualidad.
  Entre las bandas más importantes y aclamadas podemos destacar a Florence + The Machine, los britanicos Mumford & Son, Jack U, Die Antwoord, Marina and the Diamonds, Twenty one pilots, Eagles of death metal y una de las “figuritas” más difíciles de conseguir, Eminem. ¡Así es! El rap argentino estará de fiesta.
  Este año “el Lolla” viene a prueba de niños, ya que los menores de 10 años no pagan entradas estando acompañados por un mayor con entrada. También contará con Food Trucks con las mejores opciones gastronómicas.

Festival internacional Buenos Aires Jazz:  Sentarse para deleitarse.

• Más 300 artistas invitados, 7 sedes y más de 90.000 personas pasaron en la última edición en 2015, con un cierre magnífico de la mano del reconocido cuarteto del compositor y músico jazzero Branford Marsalis en el Teatro Colón. En el 2016, la Ciudad de Buenos Aires se nutre de los mejores músicos de jazz para fin de año con espectáculos pagos y gratuitos diseminados por toda la capital de la República Argentina.

Festival BUE 2016: Unos de los festivales más amados en Buenos Aires.

• Uno de los festivales más grandes vuelve a la Argentina. Después de 10 años y con la confirmación del gran Iggy Pop y los estadounidenses Wilco el próximo mes de Octubre. El lugar del evento está a confirmar. Este show se las trae, tan sólo recordando que bandas internacionales como Daft Punk, Beastie Boys, Patti Smith, Masive Attack, Yeah Yeahs y TV on The Radio pasaron por Buenos Aires invita a estarse atento al line-up para este año.

Creamfields Argentina: La música no se apaga hasta que se prende la luz del sol.

• Nunca pasa de moda y es uno de las fechas más esperadas por la comunidad clubber de Argentina. Ya hace 15 años que el mundo de la música electrónica espera cada fin de año para recibir a los Dj´s más reconocidos del mundo. Aunque aún no está confirmada la fecha ni el venue para este año (este festival ya fue recibido en el Autódromo de la Ciudad de Buenos Aires, Parque Roca, Puerto Madero y Costanera Sur) es importante agendarse y seguirlo por las redes sociales para no perderse este fiestón. La última edición en Buenos Aires tuvo un main stage recargado con artistas del calibre de Barem, Paul Oakenfold, Hernan Cattaneo, Solomun y muchos Dj´s más, tanto del ambiente nacional como internacional.

San Pedro Country Music Festival: De Estados Unidos a Buenos Aires.

• Un sombrero Cowboy, una camisa a cuadros, Jean y botas texanas es el dress-code si pensás visitar San Pedro los próximos 23,24 y 25 de Septiembre. San Pedro Country Music Festival te espera en el paseo público de la ciudad a orillas del río Paraná. Con entrada libre y gratuita este festival único en la región atrae a más de 40 bandas y artistas referentes de la música country. Es su 13ª edición en nuestro país y se hizo famoso por recibir a más de 10.000 espectadores el año pasado. El festival ha crecido tanto que se han sumado otros géneros a esta fiesta como son el bluegrass, swing, gospel, rockabilly, rock sureño y música Celta.

Sónar Buenos Aires: La música electrónica en su máxima expresión.

• El Sónar no solo es reconocido por la variedad de música y artistas del momento que reúne sino también por las experiencias únicas que ofrece a la industria de la música y productores de entretenimiento de Argentina y el mundo. En la última edición tuvo una duración de 3 días, habiendo recibido artistas de renombre como The Chemical Brothers, Hot Chip, Poncho y muchos otros músicos íconos del latin house, electro-pop, entre otros géneros de la música electrónica. A su vez contó con exhibiciones, un congreso con Hackathon, Demos, Masterclass, mesas redondas, performances, arte en vivo y mucho networking. Es un festival completo que conecta a artistas, ravers, clubbers, directores artísticos y productoras de entretenimiento y shows de la región como nunca antes nadie lo hizo.

Ultra Buenos Aires: Más música electrónica para el mes de octubre.

• Todos esperábamos un nuevo verano acompañados de la mejor música electrónica pero tendremos que esperar hasta Octubre para escuchar a los reconocidos Dj´s que trae cada nuevo año este festival internacional que el año pasado se festejó en 7 ciudades alrededor del planeta. Aunque el line-up no está confirmado se esperan 3 días de fiesta. Cabe suponer que contaremos con un portfolio renovado y explosivo teniendo la referencia de su última edición en el año 2015 con algunos de los máximos exponentes Dash Berlin, Alesso, AxeWell y Tiesto entre otros Djs´s.

Buenos Aires Blues Festival: Más que escuchar música vas a sentirla.  

• Se realiza cada año desde 2012 en Buenos Aires reuniendo a los máximos exponentes del blues internacional; artistas de la talla de Eddy “The chief” Clearwater, Kenny “Blues Boss” Wayne, Chris Cain. El mes elegido para este festival es noviembre aunque el venue aún no fue confirmado.

La Plata Prog: La capital del Rock Progresivo Argentino.

• El Festival de Rock Progresivo de La Plata está organizado por el Colectivo Progresivo Platense, un grupo de bandas independientes de la ciudad de La Plata, culturas y promotoras del género. Con tan solo 3 ediciones ha tenido una repercusión que lo ha llevado a convertirse en uno de los festivales más importantes de Argentina y Sudamérica. Esto se debe a que el objetivo de este festival es mostrar la importante propuesta musical en materia de rock progresivo, sinfónico y otros géneros relacionados (Jazz-Rock, Jazz fusión), que tiene la ciudad de La Plata y a la que hoy en día muchos mencionan como “La Capital del Rock Progresivo Argentino”, trayendo bandas de rock de todas partes de América. Para resumir, si querés escuchar rock progresivo más bien “under” tenés que ir a este festival.

Festival Konex de música clásica: Una cita fuera de lo común.

• Comunidad Konex siempre te sorprende y esta vez lo hace de la mano de un festival muy completo y super creativo. Del 14 al 19 de Abril la cita incluirá seis noches de gala con 5 conciertos de música de cámara, 15 conciertos didácticos a cargo de destacados artistas, laboratorios de música y actividades complementarias de música contemporánea. Sin lugar a duda esto eventos darán que hablar.

La notación musical occidental

Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música occidental) existen formas de notación musical. Sin embargo, es a partir de la música de la edad media (principalmente canto gregoriano) que se comienza a emplear el sistema de notación musical que evolucionaría al actual. En el Renacimiento cristalizó con los rasgos más o menos definitivos con que lo conocemos hoy, aunque -como todo lenguaje- ha ido variando según las necesidades expresivas de los usuarios.

El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa gráficamente el transcurrir del tiempo, y otro vertical que representa gráficamente la altura del sonido. Las alturas se leen en relación a un pentagrama (un conjunto de cinco líneas horizontales) que al comienzo tiene una "clave" que tiene la función de atribuir a una de las líneas del pentagrama una determinada nota musical. En un pentagrama encabezado por la clave de Sol en segunda línea nosotros leeremos como sol el sonido que se escribe en la segunda línea (contando desde abajo), como el sonido que se escribe en el espacio entre la segunda y la tercera líneas, como si el sonido en la tercera línea, etc. Para los sonidos que quedan fuera de la clave se escriben líneas adicionales. Las claves más usadas son las de Do en tercera línea (clave que toma como referencia al Do de 261,63 Hz, el Do central del piano), la de Sol en segunda (que se refiere al Sol que está una quinta por encima del Do central), y la de Fa en cuarta (referida al Fa que está una quinta por debajo del Do central).

El discurso musical está dividido en unidades iguales de tiempo llamadas compases: cada línea vertical que atraviesa el pentagrama marca el final de un compás y el comienzo del siguiente. Al comienzo del pentagrama habrá una fracción con dos números; el número de arriba indica la cantidad de tiempos que tiene cada compás; el número de abajo nos indica cuál será la unidad de tiempo.

Para escribir las duraciones se utiliza un sistema de figuras: la redonda (representada como un círculo blanco), la blanca (un círculo blanco con un palito vertical llamado plica), la negra (igual que la blanca pero con un círculo negro), la corchea (igual que la negra pero con un palito horizontal que comienza en la punta de la plica), la semicorchea (igual que la corchea pero con dos palitos horizontales), etc.. Cada una vale la mitad de su antecesora: la blanca vale la mitad que una redonda y el doble que una negra, etc..

Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura es la unidad de tiempo en determinada partitura, debemos fijarnos en el número inferior de la indicación del compás: si es 1, cada redonda corresponderá a un tiempo; si es 2, cada blanca corresponderá a un tiempo; si es 4, cada tiempo será representado por una negra, etc.. Así, una partitura encabezada por un 3/4 estará dividida en compases en los que entren tres negras (o seis corcheas, o una negra y cuatro corcheas, etc.); un compás de 4/8 tendrá cuatro tiempos, cada uno de ellos representados por una corchea, etc.

Para representar los silencios, el sistema posee otros signos que representan un silencio de redonda, de blanca, etc..

Como se ve, las duraciones están establecidas según una relación binaria (doble o mitad), lo que no prevé la subdivisión por tres, que será indicada con "tresillos". Cuando se desea que a una nota o silencio se le agregue la mitad de su duración, se le coloca un punto a la derecha (puntillo). Cuando se desea que la nota dure, además de su valor, otro determinado valor, se escriben dos notas y se las une por medio de una línea arqueada llamada ligadura de prolongación.

En general, las incapacidades del sistema son subsanadas apelando a palabras escritas más o menos convencionales, generalmente en italiano. Así, por ejemplo, las intensidades se indican mediante el uso de una f (forte, fuerte) o una p (piano, suave), o varias efes y pes juntas. La velocidad de los pulsos se indica con palabras al comienzo de la partitura que son, en orden de velocidad: largo, lento, adagio, moderato, andante, allegro, presto.

Elementos de la música- Cultura y música

La organización coherente de los sonidos y los silencios (según una forma de percepción) nos da los parámetros fundamentales de la música, que son la melodía, la armonía y el ritmo. La manera en la que se definen y aplican estos principios, varían de una cultura a otra (también hay variaciones temporales).

La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se percibe con identidad y sentido propio. También los silencios forman parte de la estructura de la melodía, poniendo pausas al "discurso melódico". El resultado es como una frase bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una secuencia dodecafónica podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías simultáneas se denomina contrapunto.
La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el acorde o tríada, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con sonidos vecinos.
La métrica, se refiere a la pauta de repetición a intervalos regulares, y en ciertas ocasiones irregulares, de sonidos fuertes o débiles y silencios en una composición.
El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar contraste en la música, esto es provocado por las diferentes dinámicas, timbres, texturas y sonidos. En la práctica se refiere a la acentuación del sonido y la distancia temporal que hay entre el comienzo y el fin del mismo o, dicho de otra manera, su duración.
Otros parámetros de la música son: la forma musical, la textura musical y la instrumentación.
Buena parte de las culturas humanas tienen manifestaciones musicales. Algunas especies animales también son capaces de producir sonidos en forma organizada; lo que define a la música de los hombres, pues, no es tanto el ser una combinación "correcta" (o "armoniosa" o "bella") de sonidos en el tiempo como el ser una práctica de los seres humanos dentro de un grupo social determinado.

Independientemente de lo que las diversas prácticas musicales de diversos pueblos y culturas tengan en común, es importante no perder de vista la diversidad en cuanto a los instrumentos utilizados para producir música, en cuanto a las formas de emitir la voz, en cuanto a las formas de tratar el ritmo y la melodía, y, sobre todo, en cuanto a la función que desempeña la música en las diferentes sociedades: no es lo mismo la música que se escucha en una celebración religiosa, que la música que se escucha en un anuncio publicitario, ni la que se baila en una discoteca. Tomando en consideración las funciones que una música determinada desempeña en un contexto social determinado podemos ser más precisos a la hora de definir las características comunes de la música, y más respetuosos a la hora de acercarnos a las músicas que no son las de nuestra sociedad.
La mayoría de las definiciones de música solo toman en cuenta algunas músicas producidas durante determinado lapso en Occidente, creyendo que sus características son "universales", es decir, comunes a todos los seres humanos de todas las culturas y de todos los tiempos[cita requerida]. Muchos piensan que la música es un lenguaje "universal", puesto que varios de sus elementos, como la melodía, el ritmo, y especialmente la armonía (relación entre las frecuencias de las diversas notas de un acorde) son plausibles de explicaciones más o menos matemáticas, y que los humanos en mayor o menor medida, estamos naturalmente capacitados para percibir como bello. Quienes creen esto ignoran o soslayan la complejidad de los fenómenos culturales humanos. Así, por ejemplo, se ha creído que la armonía es un hecho musical universal cuando en realidad es exclusivo de la música de Occidente de los últimos siglos; o, peor aún, se ha creído que la armonía es privativa de la cultura occidental[cita requerida] porque representa un estadio más "avanzado" o "superior" de la "evolución" de la música.

Otro de los fenómenos más singulares de las sociedades occidentales (u occidentalizadas) es la compleja división del trabajo de la que es objeto la práctica musical. Así, por ejemplo, muchas veces es uno quien compone la música, otro quien la ejecuta, y otro tercero quien cobra las regalías. La idea de que quien crea la música es otra persona distinta de quien la ejecuta, así como la idea de que quien escucha la música no está presente en el mismo espacio físico en donde se produce es solamente posible en la sociedad occidental de hace algunos siglos; lo más común (es decir, lo más "universal") es que creador e intérprete sean la misma persona.

Parámetros del sonido

La música está compuesta por dos elementos básicos: los sonidos y los «silencios».

El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir las variaciones de presión generadas por el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros. Se transmite por el medio que los envuelve, que generalmente es el aire de la atmósfera. La ausencia perceptible de sonido es el silencio, aunque es una sensación relativa, ya que el silencio absoluto no se da en la naturaleza.

El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:

La altura es el resultado de la frecuencia que produce un cuerpo sonoro; es decir, de la cantidad de ciclos de las vibraciones por segundo o de hercios (Hz) que se emiten. De acuerdo con esto se pueden definir los sonidos como "graves" y "agudos". Cuanto mayor sea la frecuencia, más agudo (o alto) será el sonido. La longitud de onda es la distancia medida en la dirección de propagación de la onda, entre dos puntos cuyo estado de movimiento es idéntico; es decir, que alcanzan sus máximos y mínimos en el mismo instante.
La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido. La duración del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene representada en la onda por los segundos que esta contenga.
La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía. La intensidad viene representada en una onda por la amplitud.
El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o voces a pesar de que estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e intensidad. Los sonidos que escuchamos son complejos; es decir, son el resultado de un conjunto de sonidos simultáneos (tonos, sobretonos y armónicos), pero que nosotros percibimos como uno (sonido fundamental). El timbre depende de la cantidad de armónicos o la forma de la onda que tenga un sonido y de la intensidad de cada uno de ellos, a lo cual se lo denomina espectro. El timbre se representa en una onda por el dibujo. Un sonido puro, como la frecuencia fundamental o cada sobretono, se representa con una onda sinusoidal, mientras que un sonido complejo es la suma de ondas senoidales puras. El espectro es una sucesión de barras verticales repartidas a lo largo de un eje de frecuencia y que representan a cada una de las senoides correspondientes a cada sobretono, y su altura indica la cantidad que aporta cada una al sonido resultante.

Musica

es según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.

La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, emociones, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, diversión, etc.)
.Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas. De esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas en el momento de expresar qué se entiende por música. Ninguna, sin embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta.

Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad organizada (según una formulación perceptible, coherente y significativa). Esta definición parte de que —en aquello a lo que consensualmente se puede denominar "música"— se pueden percibir ciertos patrones del "flujo sonoro" en función de cómo las propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso quienes consideran que también por los animales).

Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos esenciales: que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este sentido, artificial) y que predomina la función estética. Si tomáramos en cuenta solo los dos primeros elementos de la definición, nada diferenciaría a la música del lenguaje. En cuanto a la función "estética", se trata de un punto bastante discutible; así, por ejemplo, un "jingle" publicitario no deja de ser música por cumplir una función no estética (tratar de vender una mercancía). Por otra parte, hablar de una función "estética" presupone una idea de la música (y del arte en general) que funciona en forma autónoma, ajena al funcionamiento de la sociedad, tal como la vemos en la teoría del arte del filósofo Immanuel Kant.

Jean-Jacques Rousseau, autor de las voces musicales en L'Encyclopédie de Diderot, después recogidas en su Dictionnaire de la Musique,1 la definió como el «arte de combinar los sonidos de una manera agradable al oído».2

Según el compositor Claude Debussy, la música es «un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor».

La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta: «la música es el arte del bien combinar los sonidos en el tiempo». Esta definición no se detiene a explicar lo que es el arte, y presupone que hay combinaciones "bien hechas" y otras que no lo son, lo que es por lo menos discutible.

Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos ordenados de manera horizontal (melodía) y vertical (armonía). Este orden o estructura que debe tener un grupo de sonidos para ser llamados música está, por ejemplo, presente en las aseveraciones del filósofo Alemán Goethe cuando la comparaba con la arquitectura, definiendo metafóricamente a la arquitectura como "música congelada". La mayoría de los estudiosos coincide en el aspecto de la estructura, es decir, en el hecho de que la música implica una organización; pero algunos teóricos modernos difieren en que el resultado deba ser placentero o agradable.

Música popular

Argentina:
El Tango es tal vez el estilo musical más famoso de Argentina, siendo conocido en el mundo entero, entre sus referentes se encuentran: Julio Sosa; Piazzolla; Carlos Gardel; Roberto Goyeneche; etc. Otros ritmos musicales incluyen la chacarera y el chamamé. El rock argentino comenzó a ser popular a fines de la década del '70, con grupos como Pescado Rabioso, Almendra (banda), Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota; Soda Stereo; Sumo (banda); entre otros. Además el sentido del tango (baile típico de Argentina) es demostrar pasión y cortejar a la persona con quien se baila este.

La música folclórica es en la Argentina un género musical muy fuerte al igual que el tango; solo que este es más bailado en todo lo que es el interior del país en el cual cada región aunque sea el mismo género tiene su propio ritmo; uno muy famoso el chamamé o también esta la milonga etc. En Buenos Aires también es muy bailado y muy famoso a pesar de que el tango es el ritmo más popular, el folclore está muy relacionado.

El cuarteto cordobés fue un ritmo muy rechazado, ya que era un género que era tocado por gente pobre. Más tarde poco a poco este género fue creciendo y a medida que fue creciendo, fue cada vez más aceptado por la gente de Córdoba y más tarde reconocido y escuchado en todo el país.

Bolivia:
La música de Bolivia surge posterior al período nacionalista de los años 50, las culturas quechua y aimara lograron una mayor y mejor aceptación, como consecuencia de esto, los estilos de música representativos tuvieron un periodo de fusión gradual con el pop. Los Kjarkas jugaron un papel importante en esta fusión, y en popularizar la música folclórica en el país, siendo una de las más grandes controversias cuando se inició un juicio contra una agrupación brasilera que plagio el tema “Llorando se fue” e interpretándola en ritmo Lambada cuando la versión original es en ritmo de saya. Otras formas de música nativa, como el Huayño, un género de origen peruano pero muy popular en Bolivia, y la danza del caporal (saya) son muy difundidas.
Brasil:
Brasil es un país geográficamente extenso y diverso aspectos culturales. Posee una gran historia en el desarrollo de la música popular, que incluye desde la innovación a comienzos del siglo XX del samba hasta la moderna Música Popular Brasileña (MPB) y el tropicalismo. La bossa nova y jazz latino, que son internacionalmente conocidos.

Con el paso del tiempo y con el aumento de los intercambios culturales con países más allá del al imperio portugués, elementos musicales típicos de otros países se vuelven importantes, como fue el caso de la ópera italiana y francesa y el bailes como la zarzuela, la zamba, el bolero y la habanera origen español, las polcas y valses, muy populares entre los siglos XVIII y XIX, y de jazz estadounidense en el siglo XX, que encontraron terreno fértil en Brasil, donde enraizaron y se transformaron.

Con gran participación negra, la música popular desde finales del siglo XVIII comenzó a mostrar signos de la formación de un sonido característico brasileño. En la música clásica, sin embargo, a pesar de tal diversidad de elementos, apareció tardíamente pero siguiendo de cerca —dentro de las posibilidades técnicas locales en comparación con los principales centros europeos o con México y Perú— lo que acontecía en Europa y algo menos en la América española en cada período. Así, un carácter específicamente brasileño se hará presente hasta llegar a la gran síntesis realizada por Villa Lobos, ya a mediados del siglo XX.

Otros ritmos de Brasil, los más exitosos en territorio nacional están: el Forró, originario del nordeste. El Calipso, el Brega, el Tuturuwá, el Carimbó en el norte. Al sur de Brasil y centro-oeste el ritmo sertanejo (escuchado en todo país) se asemeja al chamame de Argentina con fuerte presencia de la zanfona.

El choró es otra de las tantas músicas brasileñas en la que se emplean generalmente guitarras de siete cuerdas, guitarra, mandolina, flauta, cavaquinho y pandeiro. Este género ya posee más de 130 años de existencia; que nace a partir de la llegada de la familia real portuguesa, donde llegaron varios instrumentos nuevos a Brasil, como el piano, el clarinete, la guitarra, el saxofón, la mandolina y el cavaquinho, pero también la llegada de varias danzas como el vals, la quadrille, la mazurca, la modinha, el minueto, el chotis y la polca. El género nace a partir de que las clases sociales se cansan del imperialismo portugués , por lo que se empiezan a crear ritmos musicales para expresar el odio; de ahí nace el choró.
Chile:
La música de Chile reúne tanto el espíritu de los aborígenes andinos del Altiplano, como los ritmos coloniales españoles. Algunos ritmos propios de éste país son el cachimbo, el rin, la sirilla, además de la cueca, considerado el baile nacional, mientras que el movimiento musical de la Nueva Canción Chilena ha sido de profunda influencia en la canción de protesta latinoamericana de los años 60s y 70s. “Esta tendencia musical surgió en el contexto de condicionantes sociales que marcaron la época: la Revolución Cubana, la muerte del Che, la guerra de Vietnam, etc., brindan el trasfondo para un nuevo tipo de canciones con mensajes más directos y comprometidos y conciencia social”.1 Entre muchos compositores destacaron Víctor Jara, Violeta Parra, los grupos Quilapayún e Inti-Illimani, Quelentaro entre otros y obras tales como la Cantata de Santa María de Iquique. Ya el funk, el hip-hop, y el rock nacional surgidos posteriormente perduran como ritmos típicos del país como el caso de Los Jaivas, Los Tres o Los Prisioneros que tienen un tipo muy distinto de protesta.

Géneros extranjeros como la cumbia colombiana, el jazz y el heavy metal son también muy populares.
Colombia:
El folclor es el compendio de todas las manifestaciones de la cultura popular e incluye por lo tanto, las leyendas, los cuentos, las danzas, las tradiciones, la música y multitud de expresiones artísticas diversas. El folclor colombiano es muy rico, tanto en el número, como en la variedad de sus manifestaciones, a tal punto que cada una de las distintas regiones geográficas del país, posee sus características folclóricas propias. La cumbia es el baile representativo del país. También bailes como el fandango dejaron como descendiente al joropo, típico de los Llanos Orientales. Las raíces africanas son más o menos comunes en las regiones costeñas de Colombia. Además de las culturas andinas y africanas, se tiene como ancestro la cultura española que como las coplas, la trajeron los conquistadores; lo mismo que la costumbre de festejar a los santos católicos como el San Pedro, célebre en el Tolima y el Huila; la fiesta de la Candelaria en Cartagena, las fiestas de la Virgen del Carmen y de la Inmaculada Concepción en todo el país.

Música de América Latina

La música de América Latina, también llamada música latinoamericana, música latina o “ritmos latinos”, es la música cultivada en los países de América Latina. Esto incluye los géneros autóctonos de la región, como el bolero, la salsa, la bossa nova, la música tropical, el merengue, o la bachata, entre otros, y también los géneros que derivan de estilos más internacionales como el pop, rock y jazz latinos.
El término empleado popularmente “música latina” (latin music en inglés) se empezó a utilizar a partir de los años 50 en los Estados Unidos para referirse a los ritmos musicales típicos de América Latina, buscando una diferenciación entre los estilos de origen afroamericano de los afrolatinoamericanos. En este sentido, se considera que hacen parte de la música latina un gran número de géneros: el merengue, la bachata, la salsa, el dancehall, el Grimey, la bossa nova, la cumbia, el tango, el fado, la milonga, el rock latino; desde la música norteña de México a la sofisticada habanera de Cuba, desde las sinfonías de Heitor Villa-Lobos a los sencillos sonidos de la quena. El único elemento en común que tienen estas músicas es el uso de los idiomas latinos, predominantemente el español y el portugués de Brasil, aunque en este último país se prefiere el término música de América Latina.

Es un neologismo de origen angloamericano que está en directa relación con el uso del término Latino en los Estados Unidos, y que hace creer que se trata de un solo género musical que engloba a todos los países al sur de los Estados Unidos y que incluiría a la vez tanto música amerindia, músicas criollas, músicas afroamericanas, así como música moderna y pop rock interpretada por cantantes originarios de estos países, pero también, aunque vagamente, el concepto de música latina también se hace extensivo a la música de España y ocasionalmente a la de Italia. Si se emplea en términos estrictos, abarcará a la música de los países latinos de Europa, y en una interpretación forzada a la de los países de África y Asia ex-colonias de España, Portugal y Francia

Para algunos, la expresión “música latina” designa por igual a las músicas andinas que son en su mayoría de origen indígena y a los géneros caribeños que, estrictamente hablando, no son latinos y tienen un gran componente africano, tal como la música jamaiquina, la música de Trinidad y Tobago (calypso/soca), y la música creole de Haití, Guadalupe o de la Martinica.

Para los medios de comunicación y la mayoría del público, la música latina es esencialmente la interpretada en el idioma español, aunque también puede incluir otros géneros, así pues es normal encontrar en las tiendas de música que se ofrezca como música latina cualquier género sin mayor diferenciación.

Por estas razones, el término música de América Latina es más idóneo y preciso que el neologismo música latina.

El término música latinoamericana es usado en medios musicales europeos para referirse también a la música clásica que fue compuesta en países de América Latina durante el periodo colonial (s. XVII-XIX).En su forma más generalizada, la música Latina se corresponde a los bailes y músicas populares originarios de América latina o que simplemente son interpretadas en español.

Existen diversos estilos de música latina en el continente americano, en los cuales predomina en diferente grado elementos musicales europeos, africanos o indígenas. En el pasado habían sugerido posiciones extremas, como que la música latina estaba privada de la influencia africana, o por el contrario, que era puramente africana y carecía de elementos indígenas y europeos. Hoy en día, está generalmente aceptado que los ritmos latinos son sincréticos. Específicamente, las formas españolas de composición de canciones, los ritmos africanos y la armonía europea son partes importantes de la música tropical latina, así como de los géneros más modernos como el rock, el heavy metal, el punk, el hip hop, el jazz, el ska, el reggae y el R&B.

Música popular argentina

 es un concepto creado en la década de 1960 capaz de abarcar los distintos estilos musicales populares característicos de ese país, entre ellos el tango, la música folklórica, el rock nacional, la balada romántica, la música pop de Argentina, la cumbia argentina, el cuarteto, etc.
a razón de crear una denominación común tuvo la intención de superar la separación entre cultores de diversos estilos, con el fin de establecer puentes y vías de comunicación entre los mismos, de modo de promover una visión integrada de la música argentina que permita el enriquecimiento mutuo, las fusiones y la aparición de nuevos estilos.

Tanto en Brasil como en Uruguay se desarrollaron conceptos equivalentes, designándolos como música popular brasileña (MPB) y música popular uruguaya (MPU).1

Intentando referirse al término, en 1968, el crítico musical Miguel Smirnoff, al presentar el álbum del Cuarteto Vocal Zupay publicado bajo el sugestivo título de Folklore sin mirar atrás Vol. 2, decía lo siguiente:

Es probable que muy pocas veces en el mundo -el caso brasileño es una de las excepciones- haya avanzado la música nacional de un país, en profundidad y riquezas, tanto como la argentina en los últimos años (Se trata de) la creación de "eso" que, tal vez, sea expresión fiel de nuestro país en el mundo: la Música Popular Argentina, así, con mayúsculas, integrando los elementos del tango y el folklore a una base rítmica y melódica de valor universal y fácil comprensión en cualquier parte.

Música del período de la práctica común o "clásica" (1600-1900)

Barroco (1600-1750):

La música barroca es el periodo musical que domina a Europa durante todo el siglo XVII y primera mitad del siguiente, siendo reemplazada por el clasicismo hacia 1750-1760. Se considera que nació en Italia y alcanzó su máximo esplendor en Alemania durante el barroco tardío. Es uno de los periodos más ricos, fértiles, creativos y revolucionarios de la historia de la música.

En este período se desarrollaron nuevas formas y se operaron grandes avances técnicos tanto en la composición como en el virtuosismo; así tenemos: cromatismo, expresividad, bajo cifrado y bajo continuo, intensidad, ópera, oratorio, cantata, sonata, tocata, suite, fuga y la sinfonía.

El bajo continuo:

También llamado bajo cifrado, designa el sistema de acompañamiento ideado a comienzos del período barroco, y es además un sistema estenográfico o taquigráfico de escritura musical. Como técnica de composición permitía al compositor trazar tan solo el contorno de la melodía y el bajo cifrado, dejando las voces medias, o sea el relleno armónico, a la invención del continuista. La ejecución del continuo requiere dos instrumentistas: un instrumento melódico grave (viola, gamba, violoncelo, contrabajo, fagot, etc.) que ejecuta las notas del bajo y un instrumento armónico (laud, clavecín, órgano) a cargo del continuista, quien desenvuelve improvisadamente las armonías, de acuerdo con las cifras del bajo cifrado, en la forma de acordes arpegios u otras figuraciones, todo ello de conforme al estilo y las necesidades expresivas del texto musical.

El sistema tonal:

El sistema tonal fue una evolución desde los últimos maestros de la música medieval hasta su máximo esplendor desde Bach a los últimos compositores tonales del posromanticismo. En sus comienzos, se definió una armonía musical compuesta por siete asuntos distintos: las notas, los intervalos, los géneros, los sistemas de escala, los tonos, la modulación y la composición de melodías.

Barroco temprano (1600-1650):

La música en Italia durante los siglos XVI, XVII y principios del XVIII estaba viviendo su apogeo y además estaba en búsqueda del máximo esplendor artístico, de lo excelso a lo sublime; el regocijo de lo religioso se disputaba entre lo humano y lo divino en el campo de batalla que era el Barroco. El theatrum mundi italiano vivía bajo el precepto de «delectare et movere» (‘deleitar y emocionar’). La sprezzatura italiana, daba paso a lo que sería el más grande espectáculo de la voz humana: la ópera. El concerto grosso italiano y la orquesta italiana fueron el prototipo de composición y de ejecución a seguir por toda Europa occidental. Los castrati juegan un rol preponderante durante el Barroco italiano, eran el Barroco humano, lo hermoso extravagante y a la vez lo grotesco, lo confuso o manierista, lo bello con lo monstruoso, la moral y el decaimiento contra el esplendor supremo de la sociedad de la Italia barroca (Caffarelli, Senesino, Carestini) inmortalizados por una voz que trascendía el concepto de «perfección», que incluso a algunos llevó a la locura.

El violino italiano, una puesta en escena del manierismo barroco, era un vehículo más para el virtuosismo del ejecutante que del compositor, que únicamente indicaba pautas que los intérpretes tomaban con gran libertad. Ejemplos de esta época son los doce conciertos de Pietro Locatelli, y el concerto grosso de Arcangelo Corelli.

Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621).

Claudio Monteverdi (1567-1643) fue un importantísimo compositor italiano, uno de los primeros en desarrollar los recursos barrocos, los que aplicó extensamente a la ópera, el madrigal y la música religiosa. Dominó tanto los nuevos estilos de comienzos del siglo XVII, como los más avanzados recursos de la polifonía franco-flamenca. Participó intensamente en el desarrollo de la ópera veneciana. Compuso gran cantidad de música religiosa y más de 250 madrigales. Gran parte de sus óperas se han perdido. Se conservan solo tres "Orfeo" (1607), "El regreso de Ulises" y la "coronación de Popea" (1624). Monteverdi sobresalió por su libertad creadora en el uso de las formas, estilos y texturas antiguas y nuevas, del poder expresivo de la armonía y las disonancias y del poder caracterizador de los instrumentos de la orquesta.

Girolamo Frescobaldi (1583-1643).

Heinrich Schütz (1585-1672)

Musica del Renacimiento

Escuela flamenca:

Es en la región flamenca (en los Países Bajos) donde, por su desarrollo económico, la polifonía recibió un mayor impulso y alcanzó su máximo esplendor entre los siglos XV y XVI. Los músicos de Flandes pronto se distinguieron por una técnica de contrapunto excelsa, y una inspiración cuasi-divina. En poco tiempo, esto se vio reflejado en una mayor influencia por parte de los músicos flamencos en todos o casi todos los centros musicales de Europa. Donde había polifonía se podía encontrar a un músico flamenco. Esto se vio, además, potenciado gracias a la edificación de enormes catedrales en donde fue creada una gran cantidad de schola cantorum.

Ya para finales de siglo XV, apareció en la escena musical un gran personaje, de quien se dice salvó a la música polifónica de los designios del santo padre: Josquin Des Pres. Aunque de nacionalidad francesa, vivió desde muy joven en Italia. Con su estilo cautivó a más de uno, mostró gran maestría en el manejo del contrapunto e hizo uso del semitono. Se dice que Des Pres escribía tan solo cuando le daba la gana: algo raro en su época y el comienzo de una gran libertad para los compositores.

Música renacentista francesa:

La chanson, música de tipo cordal que desembocará en el madrigal. En él destacan Pierre Attaignant, Clement Janequín y Claude Le Jeune (1528-1600). Las peculiaridades de estos compositores son el enorme brillo y fuerza rítmica que dan a su música un carácter enormemente extrovertido, se distinguió por tener realismo expresivo, describe la naturaleza y resalta la expresión del texto; uno de sus exponentes es Clement Janequin. Escribió una de las canciones populares llamada L'Ahutte. Esta melodía describe escenas de cacería, cuadros de batalla, parloteo de mujeres y el ir y venir de la gente de los mercados. Lo describe como si quisiera pintarlos en un fresco para mostrar en la vida común.

El canto de la reforma religiosa se aplica a melodías de canciones populares y se utiliza para el servicio religiosos en donde intervenían grandes grupos de personas.

Juan Calvino utilizó ese canto masivo al unísono y lo armonizó a cuatro voces.

Música renacentista italiana:

La música italiana se vio condicionada por el papel que ocuparon los compositores flamencos como: Adrián Willaert y sus discípulos que trasplantaron el estilo polifónico holandés. En menos de un siglo, Italia reemplazó a los Países Bajos como centro de la vida musical europea. Existían dos tipos de formas musicales:

la fróttola, que era un tipo de canción estrófica, silábicamente musicalizada a cuatro voces, con esquemas rítmicos marcados, armonías diatónicas y un estilo homófono con la melodía en la voz superior. Tiene varios subtipos como la barzelleta, el capitolo, el estrambotto, etc. Se solía ejecutar cantando la voz superior y tocar las otra tres voces a modo de acompañamiento. Sus textos eran amatorios y satíricos. Sus principales compositores fueron italianos.

la lauda, contrapartida religiosa de la fróttola; se cantaba en reuniones religiosas semipúblicas a capella, o con instrumentos que tocaban las tres voces superiores. Era en su mayor parte silábica y homófona, con la melodía en la voz superior, llamada música.

Música renacentista inglesa:

En la música del renacimiento inglés, se destaca el compositor William Byrd, quien desempeñó un papel crucial en la música de clave; otro compositor de alta relevancia es John Dowland, compositor de espléndidas y reconocidas melodías para laúd.

Música renacentista alemana:

Durante el siglo XVII, Alemania vivía la guerra de los 30 años, el Sacro Imperio Germánico a cargo del Emperador Felipe II y de su hermano Fernando I, enfrentaba una guerra contra el protestantismo en Alemania, por tanto las artes en Alemania sufrían una fuerte represión por parte del clero antes y durante la guerra; entre otros, no era permitido componer en alemán, sin embargo se dio la paz de Westfalia, por la intervención del cardenal Richelieu en la guerra, y las artes florecieron en Alemania, entre los primeros compositores en destacarse están Esaías Reusner, Johann Pachelbel y Heinrich Schütz, aunque estos no escribieron la música religiosa en alemán, uno de los primeros en componer en alemán fueron los organistas Johann Sebastian Bach y Diderik Buxtehude.

Música renacentista española:

Como en las letras, el siglo XVI es también el Siglo de Oro de la música española. Destacan las obras de los compositores Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de Morales y Francisco Guerrero.

Entre las obras más importantes del renacimiento se destacan: el Cancionero de palacio, música de la corte de los Reyes Católicos (Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón), el cancionero Al-Ándalus, los libros en cifras para vihuela de Alonso Mudarra, los compositores Luis de Narváez, Gaspar Sanz y el madrigalista Juan del Encina.

Tango

El tango es un género musical y una danza, característica de la región del Río de la Plata y su zona de influencia, principalmente de las ciudades de Buenos Aires (en Argentina) y Montevideo (en Uruguay). El escritor Ernesto Sábato destacó la condición de "híbrido" del tango.2 . El poeta Eduardo Giorlandini destaca sus raíces afrorioplatenses, con la cultura gauchesca, hispana, africana, italiana y la enorme diversidad étnica de la gran ola inmigratoria llegada principalmente de Europa.3 El escritor Ricardo Horvath cita la definición de la investigadora Beatriz Crisorio: "el tango es deudor de aportes multiétnicos, gracias a nuestro pasado colonial (indígena, africano y criollo) y al sucesivo aporte inmigratorio".4 Desde entonces se ha mantenido como uno de los géneros musicales cuya presencia se ha vuelto familiar en todo el mundo, así como uno de los más populares.5 6

Distintas investigaciones señalan seis estilos musicales principales que dejaron su impronta en el tango: la habanera cubana, el candombe, el tango andaluz, la milonga, la mazurca y la polka europea.7 8

El tango revolucionó el baile popular introduciendo una danza sensual con pareja abrazada que propone una profunda relación emocional de cada persona con su propio cuerpo y de los cuerpos de los bailarines entre sí. Refiriéndose a esa relación, Enrique Santos Discépolo, uno de sus máximos poetas, definió al tango como «un pensamiento triste que se baila».9

Musicalmente suele tener forma binaria (tema y estribillo) o ternaria (dos partes a las que se agrega un trío). Su interpretación puede llevarse a cabo mediante una amplia variedad de formaciones instrumentales, con una preponderancia clásica de la orquesta y del sexteto de dos bandoneones, dos violines, piano y contrabajo. Sin ser excluyente, el bandoneón ocupa un lugar central.

Muchas de las letras de sus canciones están escritas en un argot local rioplatense llamado lunfardo y suelen expresar las emociones y tristezas que sienten los hombres y las mujeres de pueblo, especialmente «en las cosas del amor»

Jazz

es un género musical nacido a finales del siglo XIX en Estados Unidos, que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX.

Entre los muchos intentos de delimitar y describir el complejo fenómeno del jazz, el crítico y estudioso alemán Joachim-Ernst Berendt, en su obra clásica El jazz: de Nueva Orleans al jazz rock.

El mismo autor continúa describiendo tres elementos básicos que distinguen el jazz de la música clásica europea:

Una cualidad rítmica especial conocida como swing.

El papel de la improvisación.

Un sonido y un fraseo que reflejan la personalidad de los músicos ejecutantes.2

A lo largo de su historia, el jazz ha pasado de ser una simple música de baile popular a una forma de arte reconocida en todo el mundo. Paralelamente a dicho progreso, han cambiado también las actitudes hacia esta música: en 1924 un periodista del New York Times se refería a ella como «el retorno de la música de los "salvajes"», mientras que en 1987 el Congreso de los Estados Unidos de América declaraba al jazz como un «destacado modelo de expresión» y como un "excepcional tesoro nacional". Se ha señalado que el motor de dicho progreso ha sido la innovación, una particularidad que siempre ha estado presente en la historia de esta música, dirigiendo su evolución y caracterizando la obra de sus artistas más destacados al lado de una rama más tradicionalista. Paralelamente a esta dicotomía entre la innovación y la tradición, el jazz se ha movido entre la obra de unos artistas que solo han buscado el reconocimiento de una pequeña pero selecta audiencia y otros que ha dirigido sus esfuerzos a una audiencia más amplia.

Salsa

Salsa es el término comercial usado desde finales de los años 1960 para definir un género musical hispano, resultante de la síntesis del son cubano y otros géneros de música caribeña, con el jazz y otros rítmos estadounidenses. La salsa tiene variedades puertorriqueña, venezolana, dominicana, colombiana y de otros países de Latinoamérica. De esta síntesis nació también el jazz afrocubano y el jazz latino, que tiene influencias de otros países también. La salsa fue desarrollada por músicos de origen caribeño (cubanos y portorriqueños) en el Gran Caribe y la ciudad de Nueva York. La salsa abarca varios estilos como la salsa dura, la salsa romántica y la timba.
El director cubano Machito afirmó que la salsa era lo que él había tocado durante cuarenta años (entre 1930 y 1970 aproximadamente) antes de que el género musical se denominara así.2 Por otro lado, el músico neoyorquino de ascendencia puertorriqueña, Tito Puente, negaba la existencia de la salsa como género en sí, afirmando que «lo que llaman salsa es lo que he tocado desde hace muchísimos años: se llama mambo, guaracha, chachachá, guaguancó, todo es música cubana».[cita requerida]

El músico Eduardo Morales define la salsa como «un nuevo giro de los ritmos tradicionales al son de la música cubana y la voz cultural de una nueva generación», «una representación de la identidad cubana e hispana en Nueva York».[cita requerida]

No obstante, algunos autores[¿quién?] señalan como un elemento fundamental en el surgimiento de la salsa el papel de los músicos puertorriqueños y su cultura, tanto en la isla de Puerto Rico como en su diáspora neoyorquina. En ese sentido, se señala el peso específico de los puertorriqueños en New York que, aunque minoría, eran numéricamente muy superiores a cualquier asentamiento latinoamericano.

También se aduce que el corte en el intercambio cultural entre puertorriqueños y Estados Unidos en la escena musical latina de New York.

Thrash metal

El thrash metal es un subgénero del heavy metal que se caracteriza generalmente por sus ritmos similares al speed metal y el hardcore punk en la agresividad y contundencia. Las canciones del género suelen utilizar percusión rápida y un bajo registro de riffs de guitarra, los cuales suelen ser así mismo rápidos y cortantes. Las letras de las canciones de thrash metal a menudo se enfrentan con los problemas sociales, en muchas ocasiones con un lenguaje directo y de denuncia. Fue uno de los primeros subgéneros del heavy metal en aparecer, y su influencia en este estilo ha sido y sigue siendo muy grande. De esta forma, el thrash metal es la base y la mayor influencia en el metal extremo, donde se incluye principalmente al death metal y el black metal; además de ser una importante influencia (junto con el speed metal) en el power metal, si bien este estilo llevó la música por un camino más melódico. También el género ha influido en el metalcore, esto lo demuestran bandas como Trivium (banda), Unearth o Chimaira como algunos de los ejemplos más populares. Cabe resaltar la importancia en la creación y evolución del género de las bandas primigenias mejor conocidas como "Los cuatro grandes del thrash metal" , las cuales son consideradas las más representativas y en un orden fundacional.
El thrash metal en general se caracteriza por el uso de tempos rápidos, riffs de guitarra más agresivos y con un mayor uso de palm mute, solos bastante rápidos pero con muchas notas que escapan a la tonalidad , dándole un sonido característico, sonidos de bajo bastante pronunciados heredados de la NWOBHM. Algo muy especial en el estilo es la batería en donde se alternan pedal y bombo a velocidades por encima de los 180 bpm, mientras que también se vale de el doble pedal o doble bombo y voces agresivas pero sin llegar al extremo de estilos más pesados como el black metal, quizás la velocidad rápida y agresiva está más heredada del hardcore punk sin embargo el thrash adquiere más técnica a la hora de ejecución.

La mayoría de los solos de guitarra del thrash se reproducen a gran velocidad, ya que se caracterizan por la fragmentación, y las técnicas de uso, tales como sweep picking, fraseo legato, y tapping a dos manos. Los guitarristas del thrash metal son general y completamente influenciados por la NWOBHM.

Velocidad, ritmo y los cambios de tiempo también definen el thrash metal. El thrash metal tiende a tener una sensación de aceleración que puede ser debido en gran parte a su estilo de batería agresiva, combinación entre la batería de la NWOBHM y el hardcore punk. Por ejemplo, las baterías de thrash suelen utilizar dos bombos, o un contrabajo de pedal, con el fin de crear un sonido bastante crudo, acelerado y potente. Para mantenerse al día con los demás instrumentos, muchos bajistas de thrash metal suelen utilizar una púa. Sin embargo, algunos destacados bajistas de thrash metal utilizan sus dedos, como Frank Bello, Greg Christian, Robert Trujillo, Jack Gibson, Steve DiGiorgio y Cliff Burton. Varios bajistas usan un tono bajo distorsionado, un enfoque popularizado por Lemmy de Motörhead, Tom Araya (Slayer), David Ellefson (Megadeth), Cliff Burton y Jason Newsted (Metallica), entre otros.


Las letras de las canciones de thrash metal incluyen el aislamiento, la corrupción, la injusticia, la adicción, el suicidio, la muerte, el asesinato, la guerra, y otros males que afligen a la persona y la sociedad, incluyendo mutilaciones y otros horrores en ejemplos más extremos. El humor y la ironía a veces se pueden encontrar, pero son limitados, y son la excepción y no la regla. La gran mayoría de las bandas que manejan estos temas son del estilo crossover thrash.