Doce festivales de música que vale la pena conocer

El Roskilde en Dinamarca, el Rzystanek Woodstock en Polonia y el Sziget Festival en Budapest entre los que reúnen más seguidores. Un recorrido por los mejores escenarios del Viejo Continente.

La temporada musical europea presenta los festivales que ya son un éxito a nivel local y regional y que año a año suman más seguidores de todo el mundo. Con eventos que llegan hasta el Ártico, esta tradición –que además combina arte y cultura– puede haber pasado desapercibida hasta el día de hoy. Infobae recopila a través de Trivago Argentina 12 de sus mejores representantes.

1-El Sonisphere Festival es un festival itinerante que tiene lugar cada año en distintos países de Europa entre los meses de junio y agosto. Las bandas que se presentan son del género del metal y del rock. Este año, el festival celebró su 40 aniversario en el Knebworth Park, Reino Unido. Iron Maiden, Metallica y Limp Bizkit fueron algunas de las bandas presentes en esta edición; en el caso de Metallica, los fans pudieron votar 17 de las 18 canciones de su playlist. A futuro, los organizadores planean transformar el evento a uno de escala más global, haciendo hincapié en el Reino Unido mediante la ampliación de fechas y el aumento de la capacidad de asistentes.

2-El Przystanek Woodstock ("Estación Woodstock"), también denominado "el Woodstock de Polonia", es un evento musical gratuito de rock inspirado en el festival de música y arte llevado a cabo en 1969 en Estados Unidos. La versión polaca ha tenido lugar desde 1995 entre finales del mes de julio y principios de agosto en la ciudad de Kostrzyn nad Odrą, y sus organizadores la llaman "el festival al aire libre más grande de Europa". Su lema es "Amor, Amistad y Música" y está organizado por una ONG. El principal género musical es el rock aunque en los últimos años el reggae, la música electrónica e incluso la música clásica se hicieron presentes.

3-El Sziget Festival (la traducción del húngaro de Sziget es "isla") es uno de los más grandes festivales musicales y culturales de Europa. Se lleva a cabo en agosto en el norte de Budapest, en Óbudai-Sziget, una frondosa isla en el Danubio. El festival es anfitrión de 1.000 actuaciones anuales y se da a lo largo de una semana, y ha pasado de ser una reunión de bajo perfil a uno de los más importantes festivales de rock del continente. La organización cuenta inclusive con un servicio de tren (party train) con set de DJ incluido que transporta a los asistentes de todo el continente. En la actualidad, este evento se considera cada vez más como una alternativa europea al festival Burning Man de Estados Unidos debido a sus características. El festival ha recibido el reconocimiento de la prensa internacional además de ser galardonado y replicado con éxito en otros países de la región.

4-El Roskilde Festival es un festival que se celebra al sur de la ciudad de Roskilde (Dinamarca) durante cuatro días en el mes de junio o julio, y es uno de los dos mayores festivales de música en Europa –junto con el Festival de Glastonbury– y el más grande del norte del continente. Fue creado en 1971 y es llevado a cabo como una organización sin fines de lucro para el desarrollo y el apoyo de la música, la cultura y el humanismo. En la edición del corriente año, el festival participó a sus asistentes en la elección de las organizaciones que deberían recibir parte de las ganancias del evento. Aunque en sus inicios fue orientado al público hippie, hoy en día participa el mainstream musical; sus últimas ediciones cuentan con actuaciones de The Strokes, Arctic Monkeys, Red Hot Chili Peppers, Coldplay, Oasis, Metallica, Queens of the Stone Age, Franz Ferdinand, Kanye West y Rihanna, entre otros. Más allá de la difusión de un evento de estas características, el Roskilde Festival cuenta con su propia maquinaria de prensa: un periódico y una estación de radio; además se organiza una "maratón nudista" que goza de gran popularidad, con posibilidades de ganar un ticket para futuras ediciones.

5-El Sweden Rock Festival (Festival de Rock de Suecia) es un evento anual de rock & metal que se lleva a cabo desde 1992. Más allá de su género principal, el festival se caracteriza por su diversidad y apertura. El Sweden Rock Festival tiene sede en la ciudad de Norje, y se ha ido transformando a través de los años; hoy en día tiene una duración de cuatro días y se realiza en el mes de junio. Aerosmith y Guns N' Roses fueron algunas de las actuaciones notables y más conocidas a nivel internacional que tuvo el evento.

6-Si Reikiavik, Islandia, necesitaba algo para cimentar su estatus como una de las capitales más cool de Europa, el festival Iceland Airwaves lo es. Llevado a cabo en el mes de noviembre y con una participación de 8.000 asistentes, el evento se enorgullece de promover la nueva música de toda Islandia, Europa y América del Norte y ha sido previamente anfitrión de artistas como Florence and the Machine, Bloc Party, Sigur Rós y Björk, por mencionar algunos. Como si esto no fuese suficiente, la revista Rolling Stone describió el festival como "el más hippest del calendario anual musical."

7-El paisaje idílico de Eslovenia probablemente no es el primer lugar que viene a la mente cuando se piensa en reggae, pero el festival intimista Overjam se ha celebrado aquí durante los últimos tres años y es la prueba de ello. Situado en un bosque con vistas a un río de color turquesa claro, Overjam ha crecido en popularidad y este año le dio la bienvenida a 12.000 visitantes en el mes de agosto.

8-"Un festival diferente, en un lugar como ningún otro" puede ser una afirmación audaz pero es algo que el Festival Number 6 hace honor a fácilmente. Siendo poseedor de diferentes premios, el evento es una combinación de música, arte y cultura que se lleva a cabo en el hermoso escenario de Portmeirion, un pueblo italiano en la costa de Gales, durante un fin de semana del mes de septiembre. Pet Shop Boys y Beck fueron algunos de las bandas anfitrionas en ediciones pasadas así como una selección de presentaciones de poetas, autores y cineastas.

9-Desde su aparición en escena en 2012, Dimensions Festival se ha hecho un nombre por sí mismo como uno de los principales escenarios para la música electrónica independiente. Organizado en el mes de agosto, su locación de apertura es la que le aporta su dimensión extra: el famoso anfiteatro romano de Pula (Croacia), que se remonta al año 27 DC. Las noches siguientes se llevan a cabo en los restos del Fort Punta Christo en la costa de Istria, mientras que durante el día se puede disfrutar de fiestas en barcos o jornadas en la playa.

10-Votado en el 2012 como el Mejor Festival Europeo Pequeño, Tauron Nowa Muzyka se ha establecido como uno de los eventos más interesantes en el mundo del jazz, nu-jazz, electro y danza. Celebrado en una antigua mina de carbón en el centro de Katowice durante el mes de agosto, el festival da nueva vida a la región, abarcando el patrimonio industrial de la zona a través de la incorporación de las viejas áreas de producción, almacenes y torres a su puesta en escena. Los visitantes pueden incluso realizar una visita guiada por el sitio.

11-Denovali Swingfest es un festival que abarca una mezcla ecléctica de música, cine experimental, instalaciones de arte y conferencias. Denovali atrae a una gran variedad de artistas de todo el mundo que no cuentan con un sello discográfico, los cuales reciben la misma ganancia por participación y cuentan con el mismo tiempo para realizar sus presentaciones. En el 2015, Londres y Berlín serán sedes del evento.

12-Este evento puede ser considerado más como un homenaje a la cultura del Ártico que como un festival de música tradicional. SALT Art es un concepto ambicioso, cuyo objetivo es promover en la región el arte, la arquitectura, la comida y la música, en el hermoso paisaje. Celebrada en una isla montañosa remota de la costa de Noruega, el proyecto rotará eventualmente entre Groenlandia, Islandia, las Islas Feroe, Irlanda, Escocia, Spitsbergen, Alaska y Rusia.

LOS 10 FESTIVALES DE MÚSICA MAS ESPERADOS

LOS 10 FESTIVALES DE MUSICA MAS ESPERADOS:

Lollapalooza Argentina: Variedad, cantidad y calidad.

• Uno de los más esperados festivales de música, si no es el más esperado. Este año se vivirá la 3ª edición en Argentina que se replica en más de 6 países y a la cual llegan bandas que realmente se estaban haciendo desear y que sacaron las más grandes sonrisas a miles de fans de Argentina.
  El próximo 18 y 19 de marzo, el Hipódromo de San Isidro recibirá a los artistas más importantes y emblemáticos en la actualidad.
  Entre las bandas más importantes y aclamadas podemos destacar a Florence + The Machine, los britanicos Mumford & Son, Jack U, Die Antwoord, Marina and the Diamonds, Twenty one pilots, Eagles of death metal y una de las “figuritas” más difíciles de conseguir, Eminem. ¡Así es! El rap argentino estará de fiesta.
  Este año “el Lolla” viene a prueba de niños, ya que los menores de 10 años no pagan entradas estando acompañados por un mayor con entrada. También contará con Food Trucks con las mejores opciones gastronómicas.

Festival internacional Buenos Aires Jazz:  Sentarse para deleitarse.

• Más 300 artistas invitados, 7 sedes y más de 90.000 personas pasaron en la última edición en 2015, con un cierre magnífico de la mano del reconocido cuarteto del compositor y músico jazzero Branford Marsalis en el Teatro Colón. En el 2016, la Ciudad de Buenos Aires se nutre de los mejores músicos de jazz para fin de año con espectáculos pagos y gratuitos diseminados por toda la capital de la República Argentina.

Festival BUE 2016: Unos de los festivales más amados en Buenos Aires.

• Uno de los festivales más grandes vuelve a la Argentina. Después de 10 años y con la confirmación del gran Iggy Pop y los estadounidenses Wilco el próximo mes de Octubre. El lugar del evento está a confirmar. Este show se las trae, tan sólo recordando que bandas internacionales como Daft Punk, Beastie Boys, Patti Smith, Masive Attack, Yeah Yeahs y TV on The Radio pasaron por Buenos Aires invita a estarse atento al line-up para este año.

Creamfields Argentina: La música no se apaga hasta que se prende la luz del sol.

• Nunca pasa de moda y es uno de las fechas más esperadas por la comunidad clubber de Argentina. Ya hace 15 años que el mundo de la música electrónica espera cada fin de año para recibir a los Dj´s más reconocidos del mundo. Aunque aún no está confirmada la fecha ni el venue para este año (este festival ya fue recibido en el Autódromo de la Ciudad de Buenos Aires, Parque Roca, Puerto Madero y Costanera Sur) es importante agendarse y seguirlo por las redes sociales para no perderse este fiestón. La última edición en Buenos Aires tuvo un main stage recargado con artistas del calibre de Barem, Paul Oakenfold, Hernan Cattaneo, Solomun y muchos Dj´s más, tanto del ambiente nacional como internacional.

San Pedro Country Music Festival: De Estados Unidos a Buenos Aires.

• Un sombrero Cowboy, una camisa a cuadros, Jean y botas texanas es el dress-code si pensás visitar San Pedro los próximos 23,24 y 25 de Septiembre. San Pedro Country Music Festival te espera en el paseo público de la ciudad a orillas del río Paraná. Con entrada libre y gratuita este festival único en la región atrae a más de 40 bandas y artistas referentes de la música country. Es su 13ª edición en nuestro país y se hizo famoso por recibir a más de 10.000 espectadores el año pasado. El festival ha crecido tanto que se han sumado otros géneros a esta fiesta como son el bluegrass, swing, gospel, rockabilly, rock sureño y música Celta.

Sónar Buenos Aires: La música electrónica en su máxima expresión.

• El Sónar no solo es reconocido por la variedad de música y artistas del momento que reúne sino también por las experiencias únicas que ofrece a la industria de la música y productores de entretenimiento de Argentina y el mundo. En la última edición tuvo una duración de 3 días, habiendo recibido artistas de renombre como The Chemical Brothers, Hot Chip, Poncho y muchos otros músicos íconos del latin house, electro-pop, entre otros géneros de la música electrónica. A su vez contó con exhibiciones, un congreso con Hackathon, Demos, Masterclass, mesas redondas, performances, arte en vivo y mucho networking. Es un festival completo que conecta a artistas, ravers, clubbers, directores artísticos y productoras de entretenimiento y shows de la región como nunca antes nadie lo hizo.

Ultra Buenos Aires: Más música electrónica para el mes de octubre.

• Todos esperábamos un nuevo verano acompañados de la mejor música electrónica pero tendremos que esperar hasta Octubre para escuchar a los reconocidos Dj´s que trae cada nuevo año este festival internacional que el año pasado se festejó en 7 ciudades alrededor del planeta. Aunque el line-up no está confirmado se esperan 3 días de fiesta. Cabe suponer que contaremos con un portfolio renovado y explosivo teniendo la referencia de su última edición en el año 2015 con algunos de los máximos exponentes Dash Berlin, Alesso, AxeWell y Tiesto entre otros Djs´s.

Buenos Aires Blues Festival: Más que escuchar música vas a sentirla.  

• Se realiza cada año desde 2012 en Buenos Aires reuniendo a los máximos exponentes del blues internacional; artistas de la talla de Eddy “The chief” Clearwater, Kenny “Blues Boss” Wayne, Chris Cain. El mes elegido para este festival es noviembre aunque el venue aún no fue confirmado.

La Plata Prog: La capital del Rock Progresivo Argentino.

• El Festival de Rock Progresivo de La Plata está organizado por el Colectivo Progresivo Platense, un grupo de bandas independientes de la ciudad de La Plata, culturas y promotoras del género. Con tan solo 3 ediciones ha tenido una repercusión que lo ha llevado a convertirse en uno de los festivales más importantes de Argentina y Sudamérica. Esto se debe a que el objetivo de este festival es mostrar la importante propuesta musical en materia de rock progresivo, sinfónico y otros géneros relacionados (Jazz-Rock, Jazz fusión), que tiene la ciudad de La Plata y a la que hoy en día muchos mencionan como “La Capital del Rock Progresivo Argentino”, trayendo bandas de rock de todas partes de América. Para resumir, si querés escuchar rock progresivo más bien “under” tenés que ir a este festival.

Festival Konex de música clásica: Una cita fuera de lo común.

• Comunidad Konex siempre te sorprende y esta vez lo hace de la mano de un festival muy completo y super creativo. Del 14 al 19 de Abril la cita incluirá seis noches de gala con 5 conciertos de música de cámara, 15 conciertos didácticos a cargo de destacados artistas, laboratorios de música y actividades complementarias de música contemporánea. Sin lugar a duda esto eventos darán que hablar.

La notación musical occidental

Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música occidental) existen formas de notación musical. Sin embargo, es a partir de la música de la edad media (principalmente canto gregoriano) que se comienza a emplear el sistema de notación musical que evolucionaría al actual. En el Renacimiento cristalizó con los rasgos más o menos definitivos con que lo conocemos hoy, aunque -como todo lenguaje- ha ido variando según las necesidades expresivas de los usuarios.

El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa gráficamente el transcurrir del tiempo, y otro vertical que representa gráficamente la altura del sonido. Las alturas se leen en relación a un pentagrama (un conjunto de cinco líneas horizontales) que al comienzo tiene una "clave" que tiene la función de atribuir a una de las líneas del pentagrama una determinada nota musical. En un pentagrama encabezado por la clave de Sol en segunda línea nosotros leeremos como sol el sonido que se escribe en la segunda línea (contando desde abajo), como el sonido que se escribe en el espacio entre la segunda y la tercera líneas, como si el sonido en la tercera línea, etc. Para los sonidos que quedan fuera de la clave se escriben líneas adicionales. Las claves más usadas son las de Do en tercera línea (clave que toma como referencia al Do de 261,63 Hz, el Do central del piano), la de Sol en segunda (que se refiere al Sol que está una quinta por encima del Do central), y la de Fa en cuarta (referida al Fa que está una quinta por debajo del Do central).

El discurso musical está dividido en unidades iguales de tiempo llamadas compases: cada línea vertical que atraviesa el pentagrama marca el final de un compás y el comienzo del siguiente. Al comienzo del pentagrama habrá una fracción con dos números; el número de arriba indica la cantidad de tiempos que tiene cada compás; el número de abajo nos indica cuál será la unidad de tiempo.

Para escribir las duraciones se utiliza un sistema de figuras: la redonda (representada como un círculo blanco), la blanca (un círculo blanco con un palito vertical llamado plica), la negra (igual que la blanca pero con un círculo negro), la corchea (igual que la negra pero con un palito horizontal que comienza en la punta de la plica), la semicorchea (igual que la corchea pero con dos palitos horizontales), etc.. Cada una vale la mitad de su antecesora: la blanca vale la mitad que una redonda y el doble que una negra, etc..

Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura es la unidad de tiempo en determinada partitura, debemos fijarnos en el número inferior de la indicación del compás: si es 1, cada redonda corresponderá a un tiempo; si es 2, cada blanca corresponderá a un tiempo; si es 4, cada tiempo será representado por una negra, etc.. Así, una partitura encabezada por un 3/4 estará dividida en compases en los que entren tres negras (o seis corcheas, o una negra y cuatro corcheas, etc.); un compás de 4/8 tendrá cuatro tiempos, cada uno de ellos representados por una corchea, etc.

Para representar los silencios, el sistema posee otros signos que representan un silencio de redonda, de blanca, etc..

Como se ve, las duraciones están establecidas según una relación binaria (doble o mitad), lo que no prevé la subdivisión por tres, que será indicada con "tresillos". Cuando se desea que a una nota o silencio se le agregue la mitad de su duración, se le coloca un punto a la derecha (puntillo). Cuando se desea que la nota dure, además de su valor, otro determinado valor, se escriben dos notas y se las une por medio de una línea arqueada llamada ligadura de prolongación.

En general, las incapacidades del sistema son subsanadas apelando a palabras escritas más o menos convencionales, generalmente en italiano. Así, por ejemplo, las intensidades se indican mediante el uso de una f (forte, fuerte) o una p (piano, suave), o varias efes y pes juntas. La velocidad de los pulsos se indica con palabras al comienzo de la partitura que son, en orden de velocidad: largo, lento, adagio, moderato, andante, allegro, presto.

Elementos de la música- Cultura y música

La organización coherente de los sonidos y los silencios (según una forma de percepción) nos da los parámetros fundamentales de la música, que son la melodía, la armonía y el ritmo. La manera en la que se definen y aplican estos principios, varían de una cultura a otra (también hay variaciones temporales).

La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se percibe con identidad y sentido propio. También los silencios forman parte de la estructura de la melodía, poniendo pausas al "discurso melódico". El resultado es como una frase bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una secuencia dodecafónica podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías simultáneas se denomina contrapunto.
La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el acorde o tríada, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con sonidos vecinos.
La métrica, se refiere a la pauta de repetición a intervalos regulares, y en ciertas ocasiones irregulares, de sonidos fuertes o débiles y silencios en una composición.
El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar contraste en la música, esto es provocado por las diferentes dinámicas, timbres, texturas y sonidos. En la práctica se refiere a la acentuación del sonido y la distancia temporal que hay entre el comienzo y el fin del mismo o, dicho de otra manera, su duración.
Otros parámetros de la música son: la forma musical, la textura musical y la instrumentación.
Buena parte de las culturas humanas tienen manifestaciones musicales. Algunas especies animales también son capaces de producir sonidos en forma organizada; lo que define a la música de los hombres, pues, no es tanto el ser una combinación "correcta" (o "armoniosa" o "bella") de sonidos en el tiempo como el ser una práctica de los seres humanos dentro de un grupo social determinado.

Independientemente de lo que las diversas prácticas musicales de diversos pueblos y culturas tengan en común, es importante no perder de vista la diversidad en cuanto a los instrumentos utilizados para producir música, en cuanto a las formas de emitir la voz, en cuanto a las formas de tratar el ritmo y la melodía, y, sobre todo, en cuanto a la función que desempeña la música en las diferentes sociedades: no es lo mismo la música que se escucha en una celebración religiosa, que la música que se escucha en un anuncio publicitario, ni la que se baila en una discoteca. Tomando en consideración las funciones que una música determinada desempeña en un contexto social determinado podemos ser más precisos a la hora de definir las características comunes de la música, y más respetuosos a la hora de acercarnos a las músicas que no son las de nuestra sociedad.
La mayoría de las definiciones de música solo toman en cuenta algunas músicas producidas durante determinado lapso en Occidente, creyendo que sus características son "universales", es decir, comunes a todos los seres humanos de todas las culturas y de todos los tiempos[cita requerida]. Muchos piensan que la música es un lenguaje "universal", puesto que varios de sus elementos, como la melodía, el ritmo, y especialmente la armonía (relación entre las frecuencias de las diversas notas de un acorde) son plausibles de explicaciones más o menos matemáticas, y que los humanos en mayor o menor medida, estamos naturalmente capacitados para percibir como bello. Quienes creen esto ignoran o soslayan la complejidad de los fenómenos culturales humanos. Así, por ejemplo, se ha creído que la armonía es un hecho musical universal cuando en realidad es exclusivo de la música de Occidente de los últimos siglos; o, peor aún, se ha creído que la armonía es privativa de la cultura occidental[cita requerida] porque representa un estadio más "avanzado" o "superior" de la "evolución" de la música.

Otro de los fenómenos más singulares de las sociedades occidentales (u occidentalizadas) es la compleja división del trabajo de la que es objeto la práctica musical. Así, por ejemplo, muchas veces es uno quien compone la música, otro quien la ejecuta, y otro tercero quien cobra las regalías. La idea de que quien crea la música es otra persona distinta de quien la ejecuta, así como la idea de que quien escucha la música no está presente en el mismo espacio físico en donde se produce es solamente posible en la sociedad occidental de hace algunos siglos; lo más común (es decir, lo más "universal") es que creador e intérprete sean la misma persona.

Parámetros del sonido

La música está compuesta por dos elementos básicos: los sonidos y los «silencios».

El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir las variaciones de presión generadas por el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros. Se transmite por el medio que los envuelve, que generalmente es el aire de la atmósfera. La ausencia perceptible de sonido es el silencio, aunque es una sensación relativa, ya que el silencio absoluto no se da en la naturaleza.

El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:

La altura es el resultado de la frecuencia que produce un cuerpo sonoro; es decir, de la cantidad de ciclos de las vibraciones por segundo o de hercios (Hz) que se emiten. De acuerdo con esto se pueden definir los sonidos como "graves" y "agudos". Cuanto mayor sea la frecuencia, más agudo (o alto) será el sonido. La longitud de onda es la distancia medida en la dirección de propagación de la onda, entre dos puntos cuyo estado de movimiento es idéntico; es decir, que alcanzan sus máximos y mínimos en el mismo instante.
La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido. La duración del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene representada en la onda por los segundos que esta contenga.
La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía. La intensidad viene representada en una onda por la amplitud.
El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o voces a pesar de que estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e intensidad. Los sonidos que escuchamos son complejos; es decir, son el resultado de un conjunto de sonidos simultáneos (tonos, sobretonos y armónicos), pero que nosotros percibimos como uno (sonido fundamental). El timbre depende de la cantidad de armónicos o la forma de la onda que tenga un sonido y de la intensidad de cada uno de ellos, a lo cual se lo denomina espectro. El timbre se representa en una onda por el dibujo. Un sonido puro, como la frecuencia fundamental o cada sobretono, se representa con una onda sinusoidal, mientras que un sonido complejo es la suma de ondas senoidales puras. El espectro es una sucesión de barras verticales repartidas a lo largo de un eje de frecuencia y que representan a cada una de las senoides correspondientes a cada sobretono, y su altura indica la cantidad que aporta cada una al sonido resultante.

Musica

es según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.

La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, emociones, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, diversión, etc.)
.Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas. De esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas en el momento de expresar qué se entiende por música. Ninguna, sin embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta.

Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad organizada (según una formulación perceptible, coherente y significativa). Esta definición parte de que —en aquello a lo que consensualmente se puede denominar "música"— se pueden percibir ciertos patrones del "flujo sonoro" en función de cómo las propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso quienes consideran que también por los animales).

Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos esenciales: que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este sentido, artificial) y que predomina la función estética. Si tomáramos en cuenta solo los dos primeros elementos de la definición, nada diferenciaría a la música del lenguaje. En cuanto a la función "estética", se trata de un punto bastante discutible; así, por ejemplo, un "jingle" publicitario no deja de ser música por cumplir una función no estética (tratar de vender una mercancía). Por otra parte, hablar de una función "estética" presupone una idea de la música (y del arte en general) que funciona en forma autónoma, ajena al funcionamiento de la sociedad, tal como la vemos en la teoría del arte del filósofo Immanuel Kant.

Jean-Jacques Rousseau, autor de las voces musicales en L'Encyclopédie de Diderot, después recogidas en su Dictionnaire de la Musique,1 la definió como el «arte de combinar los sonidos de una manera agradable al oído».2

Según el compositor Claude Debussy, la música es «un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor».

La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta: «la música es el arte del bien combinar los sonidos en el tiempo». Esta definición no se detiene a explicar lo que es el arte, y presupone que hay combinaciones "bien hechas" y otras que no lo son, lo que es por lo menos discutible.

Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos ordenados de manera horizontal (melodía) y vertical (armonía). Este orden o estructura que debe tener un grupo de sonidos para ser llamados música está, por ejemplo, presente en las aseveraciones del filósofo Alemán Goethe cuando la comparaba con la arquitectura, definiendo metafóricamente a la arquitectura como "música congelada". La mayoría de los estudiosos coincide en el aspecto de la estructura, es decir, en el hecho de que la música implica una organización; pero algunos teóricos modernos difieren en que el resultado deba ser placentero o agradable.

Música popular

Argentina:
El Tango es tal vez el estilo musical más famoso de Argentina, siendo conocido en el mundo entero, entre sus referentes se encuentran: Julio Sosa; Piazzolla; Carlos Gardel; Roberto Goyeneche; etc. Otros ritmos musicales incluyen la chacarera y el chamamé. El rock argentino comenzó a ser popular a fines de la década del '70, con grupos como Pescado Rabioso, Almendra (banda), Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota; Soda Stereo; Sumo (banda); entre otros. Además el sentido del tango (baile típico de Argentina) es demostrar pasión y cortejar a la persona con quien se baila este.

La música folclórica es en la Argentina un género musical muy fuerte al igual que el tango; solo que este es más bailado en todo lo que es el interior del país en el cual cada región aunque sea el mismo género tiene su propio ritmo; uno muy famoso el chamamé o también esta la milonga etc. En Buenos Aires también es muy bailado y muy famoso a pesar de que el tango es el ritmo más popular, el folclore está muy relacionado.

El cuarteto cordobés fue un ritmo muy rechazado, ya que era un género que era tocado por gente pobre. Más tarde poco a poco este género fue creciendo y a medida que fue creciendo, fue cada vez más aceptado por la gente de Córdoba y más tarde reconocido y escuchado en todo el país.

Bolivia:
La música de Bolivia surge posterior al período nacionalista de los años 50, las culturas quechua y aimara lograron una mayor y mejor aceptación, como consecuencia de esto, los estilos de música representativos tuvieron un periodo de fusión gradual con el pop. Los Kjarkas jugaron un papel importante en esta fusión, y en popularizar la música folclórica en el país, siendo una de las más grandes controversias cuando se inició un juicio contra una agrupación brasilera que plagio el tema “Llorando se fue” e interpretándola en ritmo Lambada cuando la versión original es en ritmo de saya. Otras formas de música nativa, como el Huayño, un género de origen peruano pero muy popular en Bolivia, y la danza del caporal (saya) son muy difundidas.
Brasil:
Brasil es un país geográficamente extenso y diverso aspectos culturales. Posee una gran historia en el desarrollo de la música popular, que incluye desde la innovación a comienzos del siglo XX del samba hasta la moderna Música Popular Brasileña (MPB) y el tropicalismo. La bossa nova y jazz latino, que son internacionalmente conocidos.

Con el paso del tiempo y con el aumento de los intercambios culturales con países más allá del al imperio portugués, elementos musicales típicos de otros países se vuelven importantes, como fue el caso de la ópera italiana y francesa y el bailes como la zarzuela, la zamba, el bolero y la habanera origen español, las polcas y valses, muy populares entre los siglos XVIII y XIX, y de jazz estadounidense en el siglo XX, que encontraron terreno fértil en Brasil, donde enraizaron y se transformaron.

Con gran participación negra, la música popular desde finales del siglo XVIII comenzó a mostrar signos de la formación de un sonido característico brasileño. En la música clásica, sin embargo, a pesar de tal diversidad de elementos, apareció tardíamente pero siguiendo de cerca —dentro de las posibilidades técnicas locales en comparación con los principales centros europeos o con México y Perú— lo que acontecía en Europa y algo menos en la América española en cada período. Así, un carácter específicamente brasileño se hará presente hasta llegar a la gran síntesis realizada por Villa Lobos, ya a mediados del siglo XX.

Otros ritmos de Brasil, los más exitosos en territorio nacional están: el Forró, originario del nordeste. El Calipso, el Brega, el Tuturuwá, el Carimbó en el norte. Al sur de Brasil y centro-oeste el ritmo sertanejo (escuchado en todo país) se asemeja al chamame de Argentina con fuerte presencia de la zanfona.

El choró es otra de las tantas músicas brasileñas en la que se emplean generalmente guitarras de siete cuerdas, guitarra, mandolina, flauta, cavaquinho y pandeiro. Este género ya posee más de 130 años de existencia; que nace a partir de la llegada de la familia real portuguesa, donde llegaron varios instrumentos nuevos a Brasil, como el piano, el clarinete, la guitarra, el saxofón, la mandolina y el cavaquinho, pero también la llegada de varias danzas como el vals, la quadrille, la mazurca, la modinha, el minueto, el chotis y la polca. El género nace a partir de que las clases sociales se cansan del imperialismo portugués , por lo que se empiezan a crear ritmos musicales para expresar el odio; de ahí nace el choró.
Chile:
La música de Chile reúne tanto el espíritu de los aborígenes andinos del Altiplano, como los ritmos coloniales españoles. Algunos ritmos propios de éste país son el cachimbo, el rin, la sirilla, además de la cueca, considerado el baile nacional, mientras que el movimiento musical de la Nueva Canción Chilena ha sido de profunda influencia en la canción de protesta latinoamericana de los años 60s y 70s. “Esta tendencia musical surgió en el contexto de condicionantes sociales que marcaron la época: la Revolución Cubana, la muerte del Che, la guerra de Vietnam, etc., brindan el trasfondo para un nuevo tipo de canciones con mensajes más directos y comprometidos y conciencia social”.1 Entre muchos compositores destacaron Víctor Jara, Violeta Parra, los grupos Quilapayún e Inti-Illimani, Quelentaro entre otros y obras tales como la Cantata de Santa María de Iquique. Ya el funk, el hip-hop, y el rock nacional surgidos posteriormente perduran como ritmos típicos del país como el caso de Los Jaivas, Los Tres o Los Prisioneros que tienen un tipo muy distinto de protesta.

Géneros extranjeros como la cumbia colombiana, el jazz y el heavy metal son también muy populares.
Colombia:
El folclor es el compendio de todas las manifestaciones de la cultura popular e incluye por lo tanto, las leyendas, los cuentos, las danzas, las tradiciones, la música y multitud de expresiones artísticas diversas. El folclor colombiano es muy rico, tanto en el número, como en la variedad de sus manifestaciones, a tal punto que cada una de las distintas regiones geográficas del país, posee sus características folclóricas propias. La cumbia es el baile representativo del país. También bailes como el fandango dejaron como descendiente al joropo, típico de los Llanos Orientales. Las raíces africanas son más o menos comunes en las regiones costeñas de Colombia. Además de las culturas andinas y africanas, se tiene como ancestro la cultura española que como las coplas, la trajeron los conquistadores; lo mismo que la costumbre de festejar a los santos católicos como el San Pedro, célebre en el Tolima y el Huila; la fiesta de la Candelaria en Cartagena, las fiestas de la Virgen del Carmen y de la Inmaculada Concepción en todo el país.